Si il y a bien un débat qui n’a pas pris une ride, c’est bien celui qui porte sur l’usage des jeux vidéos par les enfants. Certes, du chemin a été parcouru depuis les 1980/1990, le digital a acquis ses lettres de noblesse et est rentré dans nos pratiques quotidiennes. Il est fini le temps où un enfant qui passe son temps libre sur un ordinateur est forcément un hacker accro aux drogues et à la solitude. Le débat reste ouvert cependant autour de l’âge à partir duquel autoriser les jeux vidéos et surtout leurs effets sur le psychisme de l’enfant. Petit tour du champ de bataille…
Les jeux comme outil d’éveil
De l’eau a coulé sous les ponts depuis l’avènement des premiers jeux. Le marché ne se limite plus (dans l’imaginaire collectif) aux jeux de guerre et autres GTA. Les enfants de la fin des années 1990’s se souviennent sûrement d’Adibou et de ses chansons. Le jeu éducatif est aujourd’hui florissant pour enfants comme pour les adultes d’ailleurs. Les aventures du Professeur Layton, les jeux Wii, la Cerebral Academy ou même Réussir: Code de la Route (dispo sur Switch au besoin) ont largement prouvé que les opportunités qu’offrent le digital en matière d’outils éducatifs. Selon certaines études, le jeu vidéo permet de développer les réflexes, l’analyse ainsi que favorise l’apprentissage de la représentation dans l’espace. Dans une étude publiée dans la revue médicale Annals of Neurology, une expérience a montré que les enfants qui jouent ont un meilleur temps de réponse aux stimulis. Ceux qui jouent en ligne ont, de plus, des facilités à la sociabilisation et aux travail d’équipe.
“Mais c’est ultra violent !”
Combien de fois est-ce qu’on a pu entendre des parents s’insurger de la violence des jeux vidéos, du côté solitaire du gaming ou encore de potentielles lésions au cerveau causées par un trop plein d’écran trop tôt.
Il convient tout d’abord que le gaming, comme tout loisir, peut mener à certaines dérives. Ce n’est, cependant pas parce que vous buvez un petit verre de rouge de temps en temps au repas que vous êtes alcooliques, si (on vous voit) ? Le gaming est avant tout un loisir et peut révéler une passion que l’enfant peut partager avec ses camarades dans la cour de récréation et même une vocation pour la création digitale.
Notons, que la classification PEGI (ou Pan European Game Information) est utilisée sur les jeux vidéos comme les films depuis 2003 et est mise à jour suivant les évolutions du marché du gaming. Les étiquettes qu’on peut retrouver sur la jaquette d’un jeu pour un achat physique ou sur la page du site marchand à l’achat en ligne. Ce classement permet ainsi d’indiquer non seulement l’âge recommandé pour l’usage d’un jeu mais aussi si il y figure l’usage de drogues, du langage grossier, de la violence et même des achats intégrés (c’est à dire des achats facultatifs ou non à faire directement dans le jeu pour améliorer un personnage, se procurer du matériel…). Chaque âge recommandé correspond à une liste de critères bien définis. Les jeux moins de 12 ans, par exemple, sont classés comme telles lorsqu’il y a allusion à caractère sexuel légère. Ceux classés moins de 16 ans, quant à eux, peuvent contenir du tabac, des drogues, des jeux de hasard ainsi que de la violence explicite. Cette classification est donc un indicateur à usage des parents qui peuvent ainsi faire leur choix quant aux jeux à mettre sous la main de leurs enfants.
Les jeux pour enfants, top ou flop ?
Le marché du gaming est aujourd’hui ultra diversifié et encadré et offre de nombreuses possibilités pour l’usage d’un enfant quel que soit son âge. Ce qui semble poser problème finalement n’est pas tant l’usage d’un média digital mais les pratiques qui lui sont induites. Ce sont elles qui peuvent ainsi mener à des dérives comme l’enfermement sur soi, l’irascibilité, la fatigue chronique…
Les chercheurs tendent ainsi à s’accorder pour dire qu’il vaut mieux “éduquer les enfants numériquement” , les éduquer au numérique pour limiter les mauvaises pratiques dans un monde ultra connecté.
Le psychiatre Serge Tisseron, par exemple, propose une formule appelée “3/6/9/12” basée sur ces âges qui représentent des caps dans le développement de l’enfant. Avant 3 ans, par exemple, c’est la relation avec l’adulte qui compte, les écrans ne sont pas indispensables. Vers 6 ans, l’enfant est plus ouvert sur son environnement et surtout explore beaucoup. C’est le moment où l’on peut utiliser les écrans et autres outils numériques dans une démarche créative style photographie …
Le jeu vidéo c’est donc comme une boîte de Ferrero Rocher, c’est bon mais si on mange toute la boîte c’est moins cool. Le médium digital peut ainsi être une merveilleuse opportunité pour l’éveil et le développement de l’enfant… à condition d’être encadré de manière bienveillante par un adulte. Le jeu peut d’ailleurs également être un levier d’échange et de partage avec toute la famille comme on a pû le voir avec l’expansion des jeux participatifs et des consoles de salons comme la Wii, la Switch ainsi que les jeux Mario Kart ou Just dance. La pratique de ces jeux dans un schéma familial peut ainsi permettre d’apprendre les bonnes pratiques de manière ludique tout en valorisant les concepts de collaboration et de partage pour que le jeu reste un plaisir.
En ce mois de novembre 2020, les vikings sont mis à l’honneur avec la sortie du dernier jeu des studios UBISOFT, Assassin’s Creed Valhalla. Ce titre occupe, en effet, une place très importante de la communication médiatique gaming de ces dernières semaines puisque cette série est l’une des plus importantes du marché. Avec plus de 155 millions de jeux vendus avant la sortie du dernier titre, elle est la franchise la plus populaire du catalogue de l’éditeur français. Assassin’s Creed Valhalla promet d’être de plus l’épisode de tous les records puisque le nombre de connexions au jeu le jour du lancement était deux fois plus important que son prédécesseur Assassin’s Creed Odyssey. Bien que la sortie du titre profite du deuxième confinement, elle n’en reste pas moins une sortie attendue par beaucoup de joueurs, on peut aisément le constater par le nombre de vidéos, émissions ou encore d’articles sur le sujet.
La période historique des Vikings est propice à la création d’un jeu vidéo puisqu’elle allie une mythologie riche et vaste à une période de temps longue et variée. On y retrouve tous les ingrédients pour les concepteurs des jeux, un terreau fertile dans lequel ils vont pouvoir puiser l’inspiration. Le regain de vitalité de ces dernières années pour ce peuple est loin d’être propre au jeux vidéo. Cela fait une 10ène d’années que les Vikings font marcher notre commerce culturel avec des figures fortes tel que Odin ou Thor dans des films du Marvel Univers comme Thor ou Avengers ou bien des séries telles que Vikings ou American Gods,pour ne citer que les plus connus.
Pour un peu d’histoire
Podcast
Si vous voulez vous plonger dans l’histoire véritable de l’époque dans laquelle se déroule le jeu Assassin’s Creed Valhalla, Ubisoft nous propose une série de podcasts qui reprennent le contexte historique des invasions Vikings en Angleterre du 8ème au 11ème siècle.
Bien que certaines publicités “subtiles” pour le jeu soient placées ça et là, ces podcasts restent très agréables et instructifs.
Emission de radio
France Inter nous propose également une plongée dans la création d’un jeux-vidéo historique avec en bonus une présentation de la licence par Olivier Bénis, expert jeux-vidéo pour France Inter. Une excellente présentation de la licence pour ceux qui ne la connaisse pas.
Assassin’s Creed Valhalla nous place dans la peau d’un ou d’une viking, Eivor, qui part de Norvège pour trouver meilleure fortune en Angleterre. Cette fuite de son pays natal est bien introduite et sert de tutoriel à plusieurs mécaniques de gameplay comme les différentes armes que l’on est amené à découvrir au fur et à mesure. Une riche idée même si classique dont l’ambiance tranche par la suite avec les paysages d’Angleterre, le dépaysement est bien présent. Un soin tout particulier a été apporté à retranscrire la voie du guerrier nordique : sans concession!
La durée de vie du jeu est colossale et bien rythmée dans l’ensemble malgré quelques collectibles très Ubisoftien qui gâchent encore l’exploration.
Le gameplay
Beaucoup des mécaniques des deux derniers volets se retrouvent dans cet opus. Je ne parlerais donc que des différences avec les deux épisodes précédents car il n’y a aucune révolution en matière de gameplay qui nécessite qui s’y attarde.
Une des grandes critiques faites par les fans à la franchise est la disparition de ce qui faisait un “Assassin’s Creed”, c’est-à-dire les mécaniques proposées depuis les premiers épisodes autour des assassinats. Le virage RPG pris sur la dernière trilogie prenait de plus en plus de place. Cela a été revu à la baisse pour permettre une plus grande part à l’infiltration. Ce choix casse les quelques éléments RPG proposés dans le titre. La gestion des statistiques du personnage est presque nulle et la progression au niveau des compétences et des attributs offre peu de personnalisation pour Eivor, notre viking. Cela est remplacé par la possibilité d’assassiner n’importe qui d’un coup de lame secrete, un plaisir de revoir cette identité propre à la franchise mais le mélange des deux est assez étonnant. Cela ne gâche cependant pas le gameplay qui reste très agréable.
Une mécanique autre très appréciée et qui fait également son retour dans la franchise, c’est la gestion de votre village, cette fois en Angleterre. Un composant déjà présent dans certains des épisodes précédents comme Assassin’s Creed Brotherhood ou Black Flag. On doit ainsi reconstruire un village laissé à l’abandon par ces précédents occupants. Il servira de point de départ de nombreuses quêtes et activités annexes comme la pêche, la chasse ou les voyages vers les mondes de la mythologie ainsi que les phases de conquête. La construction des différents bâtiments demande des ressources que l’on trouve en pillant des églises et des chapelles. Bien que sympathique au début, on se lasse assez facilement de la construction de votre village qui n’est finalement que vitrine et dont on n’a aucun pouvoir de modeler à notre envie, si ce n’est quelques éléments décoratifs. On retrouve la même philosophie sur notre navire, notre coupe de cheveux et nos tatouages. Rien de révolutionnaire et encore une fois assez pauvre sur la forme.
Ce qui par contre est une grande bouffée d’oxygène dans ce nouvel épisode est la gestion des quêtes et de l’exploration. Les territoires sont, en effet, découpés en sous région dans lesquels vous allez étendre votre influence. Ce système n’a rien d’inédit mais le système de quête principale courte avec une multitude de quêtes secondaires inintéressantes sujettes à encourager l’exploration d’une zone est désormais mis au placard. Vos missions principales sont désormais mieux écrites et plus étoffées par région. Elles vous amènent, en effet, au travers du territoire beaucoup plus naturellement. Il n’y a dès lors plus de quêtes secondaires à proprement parler et vous êtes incité à l’exploration par de la collecte de ressource et les activités annexes. Celles-ci prennent la forme de mini-jeu, de boss ou de quêtes scénarisées très courtes qui sont loin d’être désagréables. Même si au bout d’un moment la répétition pointe le bout de son nez cela reste beaucoup plus plaisant que les quêtes Fedex dont nous étions habitués sur les précédents volets de la série.
Un bon Assassin’s Creed?
Je n’aurais qu’un conseil, il ne faut pas jouer au jeu si l’on veut en découvrir plus sur l’histoire des assassins. On y joue pour ce que le studio Ubisoft sait faire de mieux, c’est-à-dire de la reconstitution historique, de lieux et d’ambiance. On retrouve les mêmes avantages et les mêmes inconvénients que dans tous les autres épisodes de la trilogie, un bon jeu mais un mauvais Assassin’s Creed. Assassin’s Creed Origins de par sa direction artistique franchement réussi et l’histoire de la création de l’ordre des assassins avait un grand intérêt tandis que Assassin’s Creed Valhalla manque de renouveau.
Pour ne pas vous spoiler, je ne peux pas vous évoquer l’histoire principale dans son ensemble et le lien avec le lore d’assassin’s creed mais les liens sont minces. Ce jeu fait des efforts pour répondre aux très nombreuses critiques des joueurs sur ce sujet mais peine à rendre le tout intéressant. On sent que le lore est finalement plus lourd à porter qu’autre chose et ce sentiment n’est pas pour aider dans l’immersion. Malgré le retour de mécaniques de gameplay sympathiques le tout manque de nouveau et de renouveau.
L’avenir de la saga
La trilogie sur les origines des assassins et de la mythologie touche normalement à son terme et fait espérer une nouvelle direction à la série. Cette trilogie a été un renouveau et un virage vers le RPG en tentant de se rapprocher de jeux comme The Witcher 3. Les évolutions du genre vont vite et des jeux comme Zelda Breath Of The Wild ont complètement changé la donne dans le monde du RPG, les mécaniques du jeu commencent ainsi à dater. Il serait peut-être temps qu’Ubisoft fasse un choix plus tranché sur le gameplay de la franchise. Les aller-retour incessant entre anciennes et nouvelles mécaniques alourdissent considérablement les jeux. La partie assassin n’est plus dès lors qu’un prétexte à explorer une époque. Il faut cependant se rendre à l’évidence, ils n’ont jamais vendu autant de jeux Assassin’s creed depuis le virage des trois derniers volets.
On peut s’attendre dans les prochaines années à avoir un remake du premier épisode de la série qui permettrait de contenter les pures et dures et de présenter aux nouveau venus de la franchise les bases du lore. Le contexte de l’histoire dans le présent va d’ailleurs en ce sens dans cet opus, peut-être un teasing bien placé?Nous pouvons souhaiter dès lors que les prochains Assassin’s Creed soient plus ancrés autour d’une confrérie d’assassins déjà constituée ou tout simplement plus structurée comme dans les premiers épisodes. L’époque serait plus moderne et pourquoi pas en Asie, partie jamais encore explorée au sein des épisodes principaux de la franchise. Une histoire proche de celle de Shao Jun (Assassin’s Creed Chronicle : China) serait très intéressante et est d’ores et déjà populaire auprès des fans puisqu’il s’agit d’un des personnages préférés de la communauté au point que la tenue est disponible dans Assassin’s Creed Syndicate pour Evie Frye. Si vous vous intéressez au personnage de Shao Jun je vous recommande en plus du jeu, le manga qui retrace son histoire avec une approche complémentaire sur ce personnage.
Lundi 16 décembre : Musique / Norman Fucking Rockwell, Lana Del Rey (ColineM)
L’hypnotique Lana del Rey est de retour ! Après avoir apposé sa reprise du culte Season of the Witch (Donovan, 1966) sur la bande son de Scary Stories (Andre Ovredal, août 2019) produit par Guillermo del Toro et juste avant la sortie de sa collaboration sur Don’t call me Angel, Lana nous livre son nouvel album le 30 août. Cet opus fut, d’ailleurs, plusieurs fois repoussé car la chanteuse, perfectionniste, ne cessait de le peaufiner (tout en travaillant sur diverses projets en parallèle comme un recueil de poème). Norman Fucking Rockwell , donc, est son 6e album après Lust for life sorti en 2017. Son titre est un hommage au peintre américain iconique des années 1920’s à 1950’s. Une parenté culte avec laquelle l’album partage le goût de la description en plusieurs tableaux du mythe de l’American Dream. Le feutré Doin’ Time et son drive-in en plein summertime côtoie alors surfers, soleil et surtout le titre anti-gun Looking for America. Lana s’échappe quelque peu de sa pop de prédilection avec cette album mais toujours à pas feutré et nous hypnotise encore une fois.
Mardi 17 décembre : Gaming/ Fire Emblem : Tree Houses (MaëlM)
Pour passer les fêtes de fin d’année, il n’y a rien de mieux qu’un jeu sur Switch pour jouer ou vous le souhaitez. En dehors de la publicité pour la console, c’est le titre Fire Emblem : Three houses qui a su nous enchanter par son gameplay dynamique et bien maîtrisé. Le dernier J-RPG (RPG à la japonnaise) de la série mythique des Fire Emblem est une aventure qui vous met dans la peau d’un enseignant dans un monastère qui forme l’élite de demain. Votre rôle d’enseignant vous permet de former les élèves de la maison de votre choix. Cette personnalisation intelligente et très complète permet d’influencer le gameplay des combats que vous aurez à mener lors de vos différentes missions. Entre des combats au tour par tour exigeants mais très bien construits, des personnages attachants et une durée de vie impressionnante, tout y est pour vous faire oublier votre tonton ivre du 25 décembre.
Mercredi 18 décembre : Beaux Arts/ Exposition Toulouse Lautrec, résolument moderne (ColineM)
Depuis le 9 octobre, et jusqu’au 27 janvier 2020, se tient au Grand Palais l’exposition “Toulouse Lautrec, résolument moderne”. Dois-t-on encore le présenter ? Le peintre qui était une figure du Paris de la fin du XIXe, est devenu aujourd’hui une véritable icône de cette époque. Soulignons d’ailleurs la participation de Baz Lurhmann et de son Moulin Rouge (2001) dans la construction du mythe chez les plus jeunes d’entres nous. L’exposition du Grand Palais, cependant, s’attache à déconstruire cette image du peintre (et de créature) des bafonds qui s’est installé au fil des ans. Certes, Toulouse-Lautrec aimait Montmartre, ses cabarets et ses bordels mais cela ne résume en rien son oeuvre. Bien au contraire. Henri de Toulouse Lautrec (1864-1901), donc, est fasciné par une chose en particulier : le mouvement. Si il est tant attiré par la butte Montmartre, ce qui l’intéresse c’est surtout le tumulte et l’énergie qui s’en dégage. Le peintre, fasciné, va ainsi réaliser plus de 200 pièces rendant ainsi hommage à ce monde qu’il aime tant. Henri va surtout développer un style unique et résolument moderne composé de tournoiements, de traits inachevés laissant entrevoir la dynamique et surtout de couleurs et de vide. Le peintre se concentre ainsi sur l’essentiel: un geste, des couleurs et surtout la vie ! “Toulouse-Lautrec, résolument moderne” est l’une des plus grandes rétrospectives qui lui est consacrée avec des pièces qui viennent des quatres coins du monde. Pour plus d’infos, c’est par ici :
Jeudi 19 décembre : Série / The Umbrella Academy, Steve Blackman pour Netflix (AnastasiaM)
Telle la vierge Marie, 43 femmes donnent naissance à des enfants le même jour. Ces femmes ne sont pourtant pas enceintes. Les enfants sont dotés de pouvoirs surnaturels et 7 d’entre eux sont alors recrutés par Sir Reginald Hargreeves, un célèbre inventeur. Ils grandissent alors au sein de la Umbrella Academy et mettent leurs dons au service de la société, empêchant ainsi des crimes. De nombreuses années plus tard alors que la famille est éparpillée à droite et à gauche, nos jeunes héros se retrouvent à la suite de la mort de leur père adoptif. Ils vont rapidement découvrir qu’une menace plane sur la suivie de l’humanité tout entière. Pourquoi on aime ? Pour son visuel et la qualité du casting.
Vendredi 20 décembre : Cinéma / Alita Battle Angel, R. Rodriguez (ColineM)
“Lorsqu’ Alita se réveille, elle n’a plus aucun souvenir de qui elle est. Elle est accueillie par Ido, un médecin qui comprend que derrière ce corps de cyborg abandonné, se cache une jeune femme au passé extraordinaire.” L’annonce de l’adaptation à l’écran du (très très cool) manga Gunnm de Yukito Kishiro en a fait frissonner plus d’un. Un tel projet ne pouvait être que risqué cependant. Là où le matériau de base est considéré comme un classique du genre, on ne pouvait qu’attendre au tournant sa version cinéma. C’est donc Robert Rodriguez qui s’y colle sous la production de James Cameron (lequel participe également au scénario). Choix plutôt étonnant lorsque l’on connaît le registre de prédilection de Rodriguez. Les fans ne retrouveront malheureusement pas le côté sombre du roman. Le film préfère, en effet, emmener un plus large public. L’intrigue est cependant plutôt bien retravaillée dans cette optique et s’intéresse (comme le manga) à l’essence de l’être, de ce qui fait humanité. Le film se pare également de visuels qui, si ils ne sont pas vraiment originaux, sont tout de même très beaux. Petit bémol: on regrette les rouages visibles d’une construction en série dans l’optique d’une potentielle franchise. A noter que c’est surtout l’occasion de (re)lire le manga d’inspiration : Gunnm !
Samedi 21 décembre : Cinéma / Midsommar, Ari Aster (MaureenT)
Les années 2000 avaient signé la fin de l’âge d’or du cinéma d’horreur, et plongé ses fans dans la frustration en nous abreuvant de suites par dizaines de films pour adolescents, de scènes gores qui nous faisaient plus rire que peur et bien sûr de remakes pour lesquels on se passera de commentaires. Mais les amateurs du genre ont pu voir une lumière au bout du tunnel ces dernières années avec le cinéma d’épouvante indépendant qui renaît de ses cendres aux États-Unis. On pense notamment à Jordan Peele qui nous a livré Get Out en 2017 et U cette année, Robert Eggers qui a fait le mitigé mais intéressant The Witch et nous livre The Lighthouse pour conclure 2019, les Conjuring et Insidious de James Wan, qui à la base étaient des films à petits budgets avant de se transformer en franchises. Parmi tous ces nouveaux talents qui donnent un second souffle à l’épouvante, il en est qui se détache clairement des autres : Ari Aster. En 2018, il traumatisait un bon nombre de personnes avec Hérédité, long métrage atrocement malsain et malheureusement très bien écrit. Le film avait reçu un accueil unanimement positif et est considéré comme L’Exorciste de notre génération, même si seul le temps peut se permettre de l’affirmer. Un an après la sortie de son premier film, il nous en propose un second : Midsommar. Pour le réalisateur qui a pour certains déjà réalisé son chef d’oeuvre avec Hérédité, le défi est de taille : faire aussi mieux. A-t-il réussi ? Midsommar raconte l’histoire de Dani et Christian, dont le couple bat un peu de l’aile. Avec un groupe d’amis, ils embarquent pour des terres reculées de Suède, où ils doivent passer une semaine dans un festival célébrant le solstice d’été « à l’ancienne ». Comme le film se déroule en été en Suède, le soleil ne se couche jamais vraiment. Le cadre est idyllique : prairies vertes et fleuries, ensoleillées en permanence, et des gens vêtus des longues robes blanches. Comment peut-on effrayer avec ça ? Ari Aster l’a fait. Tout d’abord grâce à la première scène du film qui est vrai coup de poing dans la salle. Il pose l’ambiance dès le début, là où Hérédité prenait son temps avant de sombrer. Le personnage de Dani, rongée par l’anxiété, est formidablement interprété par l’actrice Florence Pugh et l’audience se retrouve avec l’estomac noué avec elle tout au long du film. Si la troisième partie souffre d’une écriture inégale, Midsommar n’en est pas moins bien ficelé. Il parvient à capturer les tripes de son public et à réveiller nos angoisses personnelles profondes en tournant les relations amoureuses, la famille et les vacances d’été en trip cauchemardesques. En bonus, une bande son envoûtante dont certains morceaux peuvent hanter l’esprit et une imagerie remarquable. Ari Aster est parvenu cette année à montrer qu’on peut créer l’épouvante dans un pré verdoyant illuminé, et qu’il est inutile d’aller chercher des monstres sanguinaires pour réveiller la peur. C’est peut-être ce qu’il y a de plus poignant dans Midsommar : le réalisme des situations explorées font qu’on y croit de A à Z. 2019 annonce alors peut-être un nouvel âge d’or pour le cinéma d’épouvante, à l’aube d’une nouvelle décennie.
Cadeau de Noël avant l’heure, Céline Dion fera son grand retour en France en 2020. Celle ci est, en effet, en pleine promotion de son nouvel album sorti ce 13 novembre : Courage. Il s’agit de son 25e album et surtout du premier créée entièrement sans son mari et producteur, René Angelil disparu il y a 4 ans. Cet album, c’est celui de la renaissance de Céline après cette épreuve et surtout de la nécessité de se ré-inventer pour avancer. Après le déchirant Encore un soir (sorti quelques mois seulement après la disparition de René) plutôt classique, ce nouvel opus est beaucoup plus pop et plus solaire dans la veine de Ashes, titre qu’elle signe sur la bande originale de Deadpool 2 (David Leitch, 2018). Non content d’un concert à La Défense Arena (Paris), le 26 juin, la diva canadienne s’offre un set au cours du célèbre festival breton Les Vieilles Charrues. Si les 55 000 places de ce dernier se sont vendues en 10 min, il en reste encore quelques unes pour la date de Paris à l’heure où sont écrites ces lignes.
Mardi 3 décembre : Gaming/ Star Wars : Jedi Fallen Order (MaëlD)
C’est avec méfiance que nous avons reçu le dernier titre de l’univers Star Wars le 15 novembre dernier. La série de jeux basée sur l’univers est depuis 2010, avec Star Wars le pouvoir de la force II, légèrement en retrait puisqu’elle n’a connu que 2 jeux depuis cette date (Battlefront et Battlefront II) qui n’ont pas rencontré le succès. Star Wars : Jedi Fallen Order avait alors suscité bien des interrogations après son annonce à l’E3 2019 (convention de jeux vidéo). C’est cependant un excellent titre que nous livre là Respawn Entertainment, connu par ailleurs pour la série des Titanfall.Le jeu se déroule après Star Wars Episode III : La revanche des sith et nous place dans la peau d’un ancien padawan, Cal Kestis, qui a réussi à échapper à l’ordre 66. Pour sauver un de ses amis il aura recours à la force. Il sera alors traqué par les Inquisiteurs, un ordre de chasseur de jedi sous les ordres de Dark Vador. L’empire est tout puissant mais déjà des actes de rébellion fleurissent dans toute la galaxie. C’est dans ce contexte que nous rencontrons l’équipage du Mantis, le vaisseau qui nous permettra de voyager de planète en planète. Star Wars : Jedi Fallen Orders’inspire du gameplay des anciens Tomb Raider. Il mélange en effet le jeu de plateforme et les phases de combat en zone fermée. Mais ce n’est pas là sa seule influence, on peut notamment citer Dark souls et la série des Metroidvania comme fondement de son gamedesign. Un patchwork d’inspiration qui ne gâche en rien l’expérience de jeu qui bien que classique est très convaincant. Les combats quant à eux semblent inspirés d’un Sekiro Shadows Die Twice qui donne un bon challenge mais qui n’est pas aussi punitif. Avec un panel de coup, certes limité, mais qui permettra de sentir une vraie montée en puissance de notre héro. Les pouvoirs de la force nous permettront en plus d’être très utile en combat de pouvoir explorer notre environnement plus en profondeur pour y découvrir ses secrets. Une exploration pas trop compliquée qui saura vous récompenser par des éléments de personnalisation sympathiques à collectionner. Un jeu qui est sorti des ombres et qui saura ravir pendant les 25h qu’il dure les jeunes padawans en herbe de notre galaxie avant les fêtes.
Mercredi 4 décembre : Arts / Exposition Tolkien : Voyage en Terre du Milieu (ColineM)
Depuis le 22 octobre et jusqu’au 16 février 2020, se tient à la BNF (Paris) une exposition toute particulière: Tolkien, voyage en Terre du Milieu. Celle-ci, comme son nom l’indique, est conçue comme un véritable voyage en Terre de Milieu, certes, mais en tant qu’imaginaire de son créateur J.R.R Tolkien. Manuscrits originaux cohabitent ainsi avec des aquarelles réalisées par l’auteur mais également des artefacts et références qui ont inspiré le professeur de langues anciennes. Il ne s’agit donc pas de la soeur jumelle de l’exposition qui s’est tenu à Oxford un peu plus tôt dans l’année. L’événement parisien s’applique, en effet, à mettre l’oeuvre de Tolkien dans son contexte extrêmement riche d’inspiration et mettre au jour l’oeuvre d’un artiste complet. La BNF réussit surtout le défi de proposer une exposition tout autant pour les fans de l’auteur comme pour les amateurs et, surtout, pour tous les âges. Des conférences se tiennent également en parallèle de l’événement. Pour toute infos à ce propos, voir site officiel de la BNF (rubrique “Autour de l’exposition”) : https://www.bnf.fr/fr/agenda/tolkien-voyage-en-terre-du-milieu Il est à noter également qu’au vu de l’affluence des premiers mois d’exposition, il est préférable de réserver vos billets en ligne.
Jeudi 5 décembre : Série / Chernobyl, HBO (AnastasiaM)
Véritable phénomène de cette année 2019, la série a même réussi l’exploit de dépasser Game of Thrones dans le classement des séries les mieux notées. Pour celles et ceux d’entre vous qui seraient passés à côté, la série retrace les événements qui ont précédé et suivi la catastrophe de Tchernobyl. Le premier épisode plante le décor et nous plonge dans une tension digne des meilleurs films de suspens. La série nous permet de savoir ce qu’il s’est réellement passé. Car on doit l’avouer on est tous au courant de la catastrophe de la centrale, du nuage qui par miracle n’a pas franchi nos frontières et en fait ah bah si il est bien passé par chez nous ! La série retrace ainsi l’histoire en détails, les décisions qui ont été prises bonnes (et mauvaises) et surtout les conséquences. Le nombre de mort direct et indirect est impressionnant et surtout effrayant. Tout comme l’est la série. Effrayante de réalisme, elle appuie son propos avec des enregistrements originaux des appels passés aux pompiers le soir de l’explosion, ainsi que des images d’archives. Elle nous montre surtout le visage d’une U.R.S.S au bord de la rupture prête à tout pour cacher la catastrophe. D’ailleurs elle n’aura pas survécu longtemps après la révélation du drame. Aujourd’hui encore la ville est interdite au public même si des imprudents s’y risque quotidiennement. Aucune forme de vie n’a su retrouver son chemin à Tchernobyl. En ces temps de réflexion écologique sur l’impact de l’homme sur notre planète il semble plus qu’évident que les centrales nucléaires ne doivent plus être envisagées comme solution à l’énergie, Fukushima en est le dernier exemple malheureux. Encore faudrait-il que les gouvernements prennent la mesure de l’enjeu et mettent en place des solutions concrètes et réellement engagées. Les décisions prises par le Brésil et les États Unis ne vont visiblement pas dans ce sens. Reste à compter sur la jeunesse avec en tête de file la jeune Greta Thunberg qui représente l’espoir d’un renouveau pour notre planète et sa survie.
Vendredi 6 décembre: Cinéma / Green Book: Sur les routes du Sud (ColineM)
Si il est un film à retenir de cette année 2019, c’est bien Green Book. Le pitch s’intéresse à l’histoire du pianiste afro américain, Don Shirley et de son chauffeur italo-américain, Tony Lip, au cours de sa tournée dans les états du Sud. Inspiré d’une histoire vraie, le film nous plonge dans l’Amérique ségrégationniste et pleine de clichées des années 60. Celle-ci n’est, d’ailleurs, pas sans rappeler subtilement (ou non), le climat que fait régner un certain président à la mèche blonde. Le tout porté par le duo Viggo Mortensen et Mahershala Ali (Alita Battle Angel, Moonlight…) qui fonctionne superbement même si on salue surtout la performance géniale de Ali. Green Book, donc, est sorti en salle en janvier 2019 et fut largement récompensé par de prestigieux awards. On retiendra notamment 3 Oscars (meilleur film, meilleur scénario et meilleur second rôle pour Ali) ainsi que 3 Golden Globes (meilleur film musical ou comédie, meilleur scénario et meilleur second rôle). On connaissait, d’ailleurs, Peter Farrelly plutôt pour son duo avec son frère Bobby Farrelly avec lequel il a notamment réalisé Mary à tout prix (1998) et Dumb et Dumber (1995). De ce passif, il garde principalement une expertise du gag qui tombe toujours parfaitement. Le titre du film fait référence au Negro Motorist Green Book, guide de voyage américain du nom de son auteur Victor.H.Green, postier afro-américain, qui notifiait tous les établissements, stations services et autres commerces ouverts aux afro américains dans le pays. Ce livre vert fut publié entre 1936 et 1966. La loi ségrégationniste ayant été aboli qu’en 1964. Si Green Book ne se revendique pas grosse machine à émotions à la suite d’un Blackkklansman (Spike Lee, 2018) , il ne s’agit pas non plus d’un simple feel good movie. Le film ne s’intéresse pas simplement à la critique de la discrimination raciale mais explore les différentes strates des clichés et autres préjugés socio-économiques. On note, en effet, que Don Shirley est, certes, afro américain mais aussi riche et célèbre tandis que Tony, est videur de boîte de nuit et surtout d’origine italienne (communauté soumise à de nombreux préjugés également). Le film a surtout beaucoup fait parler de lui en raison de la controverse qu’il créée parmi la communauté noire. D’aucuns le déclare, en effet, film raciste en ce qu’il s’agirait de la question noire vue sous le prisme d’un blanc notamment parce que Tony apprendrait à Don la “manière d’être noir”. Le sujet est, en effet, difficile à traiter mais Peter Farrelly s’en sort cependant aussi bien que possible. C’est aussi l’occasion de se plonger dans l’héritage musical du véritable Don Shirley disparu en 2013.
Samedi 7 décembre : Littérature / Tebori, José Robledo (auteur) et Martial Toledano (illustration) / (ColineM)
De gauche à droite : Couverture des tomes 1, 2 & 3 de la série graphique Tebori
Yoshi, jeune Japonais turbulent, est placé par son père chez Seijun, grand maître tatoueur. Contre toute attente, le garçon apprend avec assiduité cet art, y compris la technique complexe du tebori. Dix ans plus tard, Seijun confie ses secrets à son élève: ses clients sont de redoutables yakuza, et chaque tatouage a une signification précise, souvent en lien avec des meurtres. Lorsque Yoshi découvre que son amie possède le même étrange tatouage que l’un des chefs d’une puissante famille, son univers bascule… Le terme Tebori désigne dans la langue japonaise les techniques de tatouage à la main. Il signifie littéralement “couper à la main” . Le tatouage traditionnel se disant Irezumi et couvrant une large partie voire l’intégralité du corps. S’il est aujourd’hui largement reconnu en Europe pour son esthétique, il est encore fortement connoté en Asie. Certains bains traditionnels préfèrent d’ailleurs refuser l’entrée aux personnes tatouées plutôt que de laisser entrer le déshonneur. Cette mauvaise réputation est principalement dûe aux yakuzas et aux travailleurs de professions considérées comme impures qui ont pour tradition d’arborer de larges pans de peaux encrés. Le tatouage est cependant reconnu par tous comme un art véritable. Il est surtout entouré d’une foule de rituels et demande un apprentissage et une technique rigoureux. La série Tebori nous plonge ainsi à la suite de Yoshi l’apprenti, dans une initiation en 3 tomes où se mêle symboles, traditions et secrets enfouis. Les 3 tomes furent publiés entre 2016 et 2017 mais en raison d’une découverte récente et au vu de sa qualité, nous avons souhaité l’intégrer à ce calendrier 2019.
Dans la communication des jeux récents, le choix est largement mis en avant comme un gage de qualité au même titre que les open-worlds. S’il s’agit parfois de simple effets d’annonce dont les joueurs se méfient, de véritables pépites peuvent s’y cacher.
Un jeu qui aborde le choix dans son expérience est loin d’être neutre dans la construction de son univers et de son gameplay.
Le choix au service de la liberté du joueur
Le choix est une notion large dans notre média préféré tant il peut être présent à tous les niveaux, comme nous allons le présenter au travers des différents exemples. Il peut s’agir aussi bien du choix dans la narration ou dans l’approche des niveaux.
L’impact d’un choix est le plus souvent présent dans les RPG et dans les jeux d’action. Ce sont les open worlds qui ont la palme dans ce domaine, qui accentue, lorsque c’est bien fait, la liberté offert au joueur tant dans son approche que dans la découverte de l’univers proposé.
Bien que la communication autour des jeux vidéo met régulièrement en avant le choix dans leurs titres. On observe que ce phénomène est moins représenté chez nos amis asiatiques et notamment japonais, dont la construction des niveaux et de la narration est alors plus linéaire (la série des Final Fantasy par exemple). Il s’agit sans doute pour les occidentaux de l’héritage du jeux de rôle papier qui nous incitait à faire constamment des choix pour avancer dans l’aventure.
Permettre de faire des choix au joueur l’immerge d’autant plus dans l’histoire car il devient alors acteur de son destin dans le récit. Il peut alors réaliser ses fantasmes et affronter ses plus grandes craintes.
Cet effet cathartique permet également au joueur d’en apprendre plus sur lui même. Affronter ses choix devient alors un enjeu car le monde en sera transformé. Il en va ainsi dans Knight Of The Old Republic (KOTOR pour les intimes) qui par la confrontation du bien et du mal, nous propose de faire le choix entre les deux camps, ou aucun des deux d’ailleurs. Aucun des chemins n’est punitif mais la fin est différente. Ce choix n’est pas brutal mais se pose progressivement au fil de l’aventure, au gré des rencontres et des situations.
Dishonored quant à lui propose une approche différente puisque les objectifs et l’histoire reste les mêmes dans tous les cas. L’approche dans les niveaux pour atteindre l’objectif est cependant libre au joueur. Il peut tuer tout le monde qui s’approche de lui ou bien tenter de ne tuer personne tout au long de l’aventure. Les impacts de ce choix sont relativement mineur même si le joueur est incité à faire cet effort par une récompense du “zéro kill” et influence le niveau de difficulté lors du dernier niveau. Plus vous avez tué et plus ce niveau sera difficile. Cette liberté d’approche a eu un impact important sur le gameplay et le gamedesign du titre, qui pousse au respect tellement les possibilités sont énormes. On ressent l’envie de tout explorer pour découvrir les passages secrets et autres bonus cachés.
Le choix permet donc de rendre le monde plus intéressant mais nécessite un travail supplémentaire qui reste parfois assez superficiel. Les titres qui savent en profiter reste cependant dans les mémoires tant l’impact sur le joueur est notable.
Le choix peut être un frein à la narration
Certains jeux ne sont pas à la hauteur des promesses faites et la mayonnaise ne prend pas. Nombre de jeux ont des choix artificiels qui n’impactent ni le gameplay, ni la narration. Il en va ainsi pour le début de Fallout 4 qui nous propose d’interagir ou non avec un vendeur. Le début du jeux ne pouvant commencer sans cela, il est finalement nécessaire de converser avec lui. Un choix qui n’apporte rien et qui donne un sentiment de fatalité contradictoire par rapport à l’objectif premier de cette démarche. Au même titre que les films, les jeux sont parfois victime d’un marketing déconnecté de la réalité.
Le choix peut également rendre plus compliqué la construction d’une narration percutante. Le nombre de branche d’une narration à choix est exponentiel et raconter une histoire cohérente est alors difficile. A ce titre Assassin’s creed Odyssey est le parfait exemple. Bien que le choix et le liberté soit au coeur de l’expérience, un seul passage est fixe dans l’histoire. Une scène forte qui n’aura laissé personne indifférent tant elle est bien menée et vécue comme parfaitement injuste. La mort de ce personnage est un bouleversement que l’on ne retrouve pas dans le reste du jeu malgré la qualité évidente du titre.
Il est parfois nécessaire de cloisonner une histoire ou un gamplay pour être plus proche de l’expérience imaginée par les développeurs. Les jeux Nintendo suivent ce principe et offre des histoires très souvent linéaires mais très agréables car beaucoup mieux maîtrisées que la plupart des jeux avec des choix narratifs et un important gamedesign. Nous n’avons jamais eu le choix de sauver Peach ni sur l’enchaînement des niveaux, c’est comme ça et puis c’est tout.
Ainsi nous n’avons pas l’impression d’être passé à côté d’un aspect narratif important ou d’un secret vital. Car personnaliser l’aventure comme dans Zelda : Breath of the wild nous donne régulièrement le sentiment de passer à côté de quelque chose d’important. C’est pourquoi l’on voit régulièrement des vidéos sur internet et notamment Youtube nous guidant pour arriver à un dialogue particulier ou à un secret enfoui. Cette situation est particulièrement contradictoire lorsque les choix ont tellement d’impacts que l’on en vient à calculer ses choix en fonction de la finalité. Trop de choix tue le choix!
Conclusion
Le choix dans un jeux vidéo doit s’insérer parfaitement dans sa démarche et son univers. Dans le cas contraire, le choix peut être vécu comme une frustration ou devenir totalement contre productif. Il existe toutefois des exemples notables de jeux ayant réussi comme KOTOR, GTA V ou The Witcher 3.
Parfois, cependant, un jeu linéaire à plus d’impact qu’un jeu dont les choix sont mal maîtrisés.
