On est allés voir le très attendu Dune partie 2. Regard croisés sur LE blockbuster de ce début d’année.
Anastasia, chroniqueuse cinéma & série :
On va pas se mentir on était assez excités à l’idée d’aller voir ce deuxième volet de la saga Dune. Après une sortie repoussée à cause du mouvement de grève à Hollywood, nous avons enfin pu découvrir ce nouvel opus.
Alors que dire de Dune Part 2 ? Et bien commençons par l’histoire. Si le premier volet pose les bases en nous expliquant l’importance et les enjeux de la planète Arrakis, ce deuxième volet nous plonge dans le vif du sujet. Paul commence à prendre conscience de son rôle et de son importance de par son statut de messie “Lisan-al-Gaib” (La voix d’ailleurs). L’histoire nous plonge davantage dans les coulisses de ce monde politique, où la religion et surtout la foi sans faille permettent de manipuler les foules et déclencher des guerres, le tout orchestré par les Bene Gesserit. Si le peuple des Fremen n’est pas tout de suite convaincu de l’identité de Paul, il ne tarde pas à se laisser convaincre et voue alors un véritable culte à Paul. On peut d’ailleurs se dire que c’est presque un peu trop, parfois même un peu grotesque. Toujours est-il que Paul va se révéler en leader et accepter sa destinée.
Si l’histoire joue un rôle essentiel dans ce film, l’esthétique ainsi que la musique apportent une autre dimension au film. Alors qu’en 2024 on pourrait se dire qu’on a tout vu en matière d’effets spéciaux, Denis Villeneuve nous prouve le contraire. Rien que les différentes scènes où les Fremen et Paul chevauchent des vers géants sont impressionnantes de techniques. Les plans sont magnifiques et nous plongent dans la réalité du désert. Et cette musique à vous faire frissonner de par sa puissance et son intensité.
Enfin, bien évidemment un film n’est rien sans son casting. Timothée Chalamet pour qui le rôle de Paul a été écrit sur mesure, remplit parfaitement son rôle de messie, sa performance est impeccable. De même que Zendaya, qui n’a plus vraiment besoin de nous prouver son talent de comédienne. Très attendu, le personnage d’Austin Butler souffre d’un problème de rythme qui ne lui permet pas d’explorer son personnage plus en profondeur. En définitif, Dune part 2 est un bijou de science-fiction qu’on ne peut que vous recommander d’aller voir au cinéma. On est déjà impatient de voir le troisième volet qui d’après Denis Villeneuve sera le dernier de la saga.
Coline, rédactrice en chef:
Très attendu, le second volet de l’adaptation de la saga Dune (Frank Herbert, 1965, USA) par Denis Villeneuve est sorti depuis quelques semaines et fait déjà mieux que le premier volet. Il dépasse, en effet, d’un million de spectateurs son prédécesseur. Un vrai phénomène qui montre l’engouement autour de la science-fiction ces dernières décennies. Alors, ce deuxième volet, qu’est ce que ça vaut ?
Pour commencer, arrêtons nous sur le superbe travail fait autour du sound design et de la musique. Choisir une ambiance auditive pour un film n’est pas facile et encore moins lorsqu’il s’agit de science-fiction et donc de “bruits” qui n’existent pas forcément. La patte Denis Villeneuve est alors ici un match made in heaven comme ils disent à Hollywood. Ces sons métalliques et grandioses qui nous avaient séduits dans Blade Runner 2049 et la pépite Premier Contact collent parfaitement à l’univers de Dune entre visions terrifiantes sur Arrakis et choc métallico-gore sur Giedi Prime.
La musique hypnotisante de Hans Zimmer (qu’on ne présente plus!) complète alors l’expérience auditive Villeneuvienne et la rend incroyablement immersive.
Non content de nous attirer dans la camionnette avec son travail sur le son, ce qui marque dans cet opus c’est surtout son esthétique visuelle absolument divine. La caméra dévoile parfois avec parcimonie, parfois à la manière d’un uppercut dosé et rythmé, des costumes et des décors d’une très grande richesse. On adore la lumière manichéenne de Giedi Prime et les inspirations égyptiennes du sietch arrakien ou encore, les références aux tatouages berbères. La recherche dans l’univers visuel est visible et, loin de le rendre messy, le rend, au contraire, cohérent et superbement détaillé. Une petite critique pourrait lui être opposée cependant. Certaines de ces références sont très visibles et peut-être un peu trop. Le presque copié collé parfois de la culture fremen avec les cultures moyen orientales, si elle permet d’ancrer le discours dans notre réalité, peut cependant rendre celui-ci moins universel et desservir le côté “parabole” de la SF. Faut-il ancrer la SF dans son temps ou la rendre intemporel ? Ceci est large (et autre) débat.
On ne va pas épiloguer, sur les thèmes abordés par ce second opus d’une saga qui mériterait un peu plus qu’une simple critique. Soulignons l’adaptation de l’histoire à l’écran qui peut être un travail difficile, surtout dans le cas d’un lore aussi riche que celui de l’œuvre de Frank Herbert. Tout y est, malgré des petites concessions au sacro-saint cinéma, et reste compréhensible au premier visionnage.
Quelques mots, enfin, de la performance de Timothée Chalamet, Zendaya et tous les autres qui n’est pas pour rien dans l’expérience immersive qu’est Dune 2. On a aimé Austin Butler en tueur sanguinaire quoiqu’un peu classique. Il faut surtout parler de Rebecca Ferguson qui nous scotche par le nombre de strates qui compose son jeu de mère aux accents gourouesque.
En conclusion, est ce qu’on ira voir le troisième opus ? Sûrement
Est ce qu’on pense que le Dune de Denis Villeneuve est la meilleure saga SF de cette décennie pour le moment ? Absolument !
Cet été, l’équipe de Purple Haze souhaitait vous faire un peu voyager, et vous propose de poser vos valises dans “l’Afrique en Miniature”, c’est-à-dire le Cameroun ! Bienvenue au pays des crevettes (les Espagnol ont baptisé le fleuve Wuri Rio Dos Camaroes car ils y ont trouvé beaucoup de crevettes, depuis le nom a évolué pour donner Cameroun). Ici, vous trouverez un petit tour d’horizon de ce qui se fait au niveau artisanat, et industries culturelles. Bonne lecture !
Artisanat
Les formes d’artisanat que vous rencontrerez le plus souvent au Cameroun sont le tissage, la sculpture, la forge et le moulage, la broderie, la tannerie, la vannerie et la poterie. Elles sont toutes très bien implantées dans les grandes villes camerounaises aujourd’hui et ne se rencontrent plus uniquement dans les parties rurales, plus traditionnelles, du pays. Il est ainsi très facile d’aller voir directement un artisan pour faire sur mesure ses meubles, sa décoration, ses bijoux, ses vêtements etc…
Le tissage, comme les autres types d’artisanat d’ailleurs, varie d’une région à l’autre. Ainsi, dans l’Extrême-Nord, notamment dans les environs de Rhumsiki, les tisserands fabriquent des tissus et des nattes à partir du coton à l’état brut de paille séchée ; dans l’Ouest, les artisans Bamouns utilisent, eux, des fibres de coton pour produire leurs différents tissus traditionnels, de même que dans le Nord-Ouest (le toghu par exemple à Bamenda), notamment à Bafut, à Ndop (d’où le nom du tissu bleu très reconnaissable que vous pouvez voir un peu partout) et à Bali.
La sculpture, elle, se fait soit sur bois, comme dans l’Ouest et le Nord-Ouest où sont fabriqués des masques, des statues, mais aussi du petit mobilier, soit sur ivoire, comme dans le Sud.
Les forgerons jouent également un rôle très important au Cameroun. Ils sont quasi sacrés dans certaines régions. Ce sont eux qui fondent le minerai de fer (mais aussi le laiton ou le cuivre) pour fabriquer des armes, des masques, des statues ou qui effectuent le travail d’orfèvre, dans les grandes villes du pays surtout, pour confectionner des bijoux en or ou en argent.
La broderie est surtout présente chez les Bamouns et dans le Nord, tandis que la tannerie, qui produit des ceintures, des chaussures et de la maroquinerie, est une particularité de l’Extrême-Nord (notamment à Maroua qui se trouve dans le Sahel).
La vannerie est quant à elle plus spécifique aux régions de forêts, car les artisans se servent du rotin, abondant dans ces régions, pour fabriquer des meubles.
Enfin, la poterie est quant à elle présente dans tout le pays, et l’argile sert essentiellement à la confection de pipes, de jarres et d’assiettes. Vous trouverez la plupart de ces objets sur les marchés des villes ainsi que dans les centres artisanaux du Cameroun, comme à Foumban et à Djingliya. Alors rendez-vous au “marché des fleurs” à Douala ou au centre artisanal de Yaoundé pour faire quelques emplettes.
Cinéma
Extrait de « Aventure à Paris », Jean Paul Ngassa Thérèse Sita Bella, date inconnue
Le cinéma camerounais est né très tardivement. Ceci pour une raison évidente, la culture et la politique étant étroitement liées, il a longtemps été celui de la colonisation, c’est-à-dire le cinéma européen. Le cinéma camerounais débute donc à Paris avec un documentaire de Jean-Paul Ngassa, Aventure en France, réalisé en 1962 sur la situation des étudiants camerounais en France. Il est alors étudiant de l’IDHEC (Institut des hautes Études Cinématographiques de Lille). Ce thème va ensuite inspirer Thérèse Sita Bella, la réalisatrice de Tam-tam à Paris en 1963. De retour au pays, Ngassa se met au service du jeune État et produit plusieurs films, notamment de propagande, comme Une nation est née en 1970. Alphonse Beni se distingue par la diversité des thèmes abordés, réalisant entre 1971 et 1985 des films disco, des policiers et des films érotiques. Ce n’est réellement qu’après la décolonisation, en 1960, que l’idée de promouvoir un cinéma national émerge dans le pays.
Les premiers longs métrages camerounais sont en effet sortis seulement en 1975. Le premier que nous pouvons citer est Muna Moto (L’Enfant de l’autre), de Jean-Pierre Dikongué Pipa. Muna Moto est un film grave, qui met en exergue les relations entre l’homme et la société dans laquelle il vit. Il a reçu, entre autres distinctions, la palme d’or du film africain au festival de Genève en 1975 et surtout le grand prix du Fespaco (Étalon de Yennenga) en 1976. Dikongué Pipa recevra avec d’autres films plusieurs lauriers dans des festivals et la reconnaissance du grand public. Il en est notamment de : Histoires drôles, Drôles de gens en 1983 et Courte maladie réalisé en 1987.
En 1975, Pousse-Pousse, de Daniel Kamwa, sort sur les écrans. C’est une comédie de mœurs traitant du problème de la dot. A sa sortie, ce film bat les records d’entrée dans les cinémas de Yaoundé et de Douala, avec 24 000 personnes venues le soir même. Devant un tel succès populaire, le réalisateur décide d’exporter son long métrage, qui connaît alors le même succès, en Côte-d’Ivoire et au Sénégal notamment.
Ces 2 premiers grands réalisateurs camerounais, Jean-Pierre Dikongué Pipa et Daniel Kamwa, ont inspiré de nouveaux réalisateurs très prometteurs comme Bassek Ba Kobhio, réalisateur entre autres de Sango Malo (Le Maître du Canton), sorti en 1991 et sélectionné au festival de Cannes, et par ailleurs fondateur du festival de films Ecrans noirs, le deuxième en importance d’Afrique noire francophone, qui se tient tous les ans fin mai, début juin dans la capitale camerounaise.
Le Festival du cinéma » Ecrans noirs « , qui a fêté sa 18e édition en 2014, a révélé les années précédentes des cinéastes tels que Waa Nkeng Musi avec le film On the Brim, ou encore Tikum Titus avec le film Great Passion, des films du Cameroun anglophone. Une des Palmes d’or remarquées avait été remise au long métrage burkinabé Julie et Roméo. L’Écran de l’espoir avait quant à lui été délivré au Camerounais Jean-Jacques Ndoumbè pour son court métrage Sur le chemin de mon rêve.
Littérature
La littérature camerounaise est jeune, car contemporaine : elle débute en fait en 1920, lorsque le roi Njoya invente l’alphabet Bamoun, permettant ainsi d’écrire et de décrire la chronique, la tradition, l’histoire. Le premier véritable écrivain camerounais est Jean-Louis Medou Njemba, et la première œuvre de littérature est Nnanga Kon, parue en 1932. Par la suite, de nombreuses figures du monde artistique et littéraire se sont succédé jusqu’à nos jours. La littérature est avant tout profondément marquée par les traditions africaines, c’est-à-dire basée sur l’oral et sur des fondements très anciens. Traditionnellement, les poètes récitaient les poèmes en s’accompagnant du mvet, sorte de harpe de 4 à 7 cordes. Ces poètes étaient qualifiés de » troubadours « , alliant le texte à la musique. Cette » littérature » camerounaise reste basée sur l’oral jusqu’à la venue du roi Njoya à la fin du XIXe siècle. Il est l’un des premiers à rédiger ses textes sur papier. Son ouvrage le plus célèbre est le Livre des remèdes et des guérisseurs. En 1930, Isaac Moumé-Etia, auteur d’une grammaire du douala (langue parlée par les Peuples Sawa dits les Peuples de l’eau dans la ville de Douala et autour), publie un recueil de contes en français et en douala. Malgré cette unique tentative en Afrique noire et malgré l’islam qui avait apporté l’écriture au nord du Cameroun, ce n’est qu’avec la colonisation de la France et de l’Angleterre que le pays rentrera réellement dans la civilisation écrite. La majeure partie de la littérature camerounaise est rédigée en français durant les années de la seconde guerre mondiale. Elle est très riche et variée, allant des travaux historiques, tels ceux du R.P. Engelbert Mveng (Peuples et civilisations de l’Afrique antique, Histoire du Cameroun, Arts d’Afrique noire), aux études plus précises comme celles publiées par Enock Kahe Kwayeb, les Institutions du pays Bamiléké.
L’après-guerre est marquée par ce que l’on appelle le » courant de la négritude « . Il naît dès 1948. Ce courant va influencer 2 jeunes poètes militants : Sengat Kuo et surtout Elongue Epanya. Le premier de ces 2 écrivains est l’auteur de Fleur de latérite. Il utilise un pseudonyme, Francesco Nditsouna, sous lequel il écrira durant de nombreuses années. Elongue Epanya joue un rôle important dans la littérature camerounaise, car il est le premier écrivain qui fait éditer ses poèmes dans sa langue maternelle, le douala, et en français. Nous pouvons affirmer que le réel mouvement littéraire camerounais naît à cette époque. Il ne date donc que du début des années 1950. Cette date d’origine d’un courant intellectuel prouve le retard important du point de vue culturel du pays. Mais ce retard va être vite comblé avec l’arrivée dans le monde littéraire de deux grands auteurs des premiers romans camerounais : Mongo Beti et Ferdinand Oyono. Une multitude d’autres talents vont être effacés du public par le charisme et la mainmise sur la littérature de ces deux grandes figures du mouvement de la négritude. Ces auteurs sont quasi inconnus de nos jours comme ils l’étaient dans les années 1950.
Comme dans de nombreux arts, l’évolution de la littérature camerounaise se fait en parallèle avec l’évolution de l’histoire politique du pays. En effet, à partir de 1960, date de l’indépendance du Cameroun, le mouvement de la négritude préconisant l’obsession de la couleur noire va petit à petit disparaître, grâce à sa victoire sur le plan historique. Les intellectuels ne ressentent plus la nécessité d’écrire sur ce problème qui est en train de se résoudre. Du coup, les genres et les thèmes de la littérature camerounaise vont se diversifier. Le courant de pensée qui va s’installer est un courant basé sur la tradition camerounaise. Les auteurs vont puiser dans le répertoire ancien qui était, comme nous l’avons vu ci-dessus, un répertoire oral. De ce répertoire oral (des contes, des fables…), les auteurs vont extraire une nouvelle substance et l’arranger à leur façon, c’est-à-dire que des anciennes histoires fantastiques, par exemple, vont se transformer par l’écriture en grandes épopées historiques. Le genre à la mode à cette époque est en effet le roman d’épopée, le récit d’aventure, que l’on peut comparer avec le roman du Moyen Age en Europe. Ces histoires vont devenir très populaires au Cameroun à partir de 1963, date à laquelle est créée une maison d’édition qui permet au grand public d’accéder plus facilement à ce genre de lecture. Il s’agit de la maison d’édition CLE (Centre de littérature évangélique). Le but de cette maison est de promouvoir la littérature écrite par des Africains pour des Africains. Elle fournit toute l’Afrique noire. Les livres sont même vendus dans certaines librairies spécialisées européennes. Les auteurs du nouveau style traditionaliste sont Benjamin Matip, auteur de Afrique nous t’ignorons et du Jugement suprême, une pièce de théâtre à grand succès. Matip va obtenir un franc succès en adaptant en français des contes traditionnels. C’est le cas notamment de A la belle étoile. Nous pouvons citer également Gaspard et Françoise Towo-Atangana, qui ont traduit et publié Nden-Bobo ou Le Conte de l’araignée. Le dernier auteur célèbre de ce courant est Jacques-Mariel Nzouankeu. Il a en effet connu un grand succès avec son roman Le Souffle des ancêtres, chef-d’œuvre dont les thèmes sont inspirés des sources mystiques du folklore camerounais. Cet auteur écrira également des pièces de théâtre et de la poésie. Parallèlement à ce côté traditionaliste, un fort courant poétique naît au Cameroun à cette époque. Il s’agit de poésie qui sera soit en prose, soit en vers. Les thèmes sont variés et sont en rapport avec l’évolution de la société camerounaise. On nomme généralement ce courant la Thématique moderniste. Les deux auteurs les plus célèbres de ce courant sont Francis Bebey et Joseph Owono.
La poésie et le théâtre
La poésie camerounaise, si elle n’est pas utilisée pour traiter des problèmes sociaux, parle d’amour. Les auteurs représentant ce style littéraire sont René Philombe, Okala Alane, Ernest Alima et Léon-Marie Ayissi. Nous pouvons également citer l’abbé Charles Ngandé. Ces auteurs sont connus dans le monde de la littérature pour avoir su se démarquer du style poétique lyrique européen. Le style qui découlera ensuite de cette évolution littéraire est le théâtre, qui connaîtra un grand succès au Cameroun, car c’est un genre qui convient bien à cette population gaie, ayant une grande sensibilité théâtrale. Les premiers grands auteurs de pièces de théâtre sont des auteurs connus dans d’autres genres littéraires comme par exemple Jacques-Mariel Nzouankeu, Benjamin Matip ou encore René Philombe. Mais le plus célèbre est sans aucun doute Guillaume Oyono-Mbia. Il est l’auteur le plus lu des éditions CLE. Sa pièce, Trois prétendants… un mari, est en effet devenue un succès national et international. Elle recevra en 1970 le prix El Hadj Ahmadou Ahidjo. Elle met en scène des passages typiquement camerounais de la vie de tous les jours, avec une sensibilité et une inspiration puisées dans les lectures de son maître à penser : Molière. Cette pièce est l’une des seules du théâtre camerounais à avoir connu le succès à la fois sur scène et en librairie.
D’autres auteurs célèbres de pièces de théâtre sont : Jean-Baptiste Obama, Pabé Mongo, E.N. N’embe, Werewere-Liking (grande artiste pluridisciplinaire camerounaise, elle vit maintenant en Côte d’Ivoire où elle a ouvert son propre lieu culturel Le Village Ki-Yi à Abidjan), Y. Karone. La satire tragi-comique les inspire souvent, notamment Kouma N’Dumbe III, Franz Kayor plus connu sous le pseudonyme de Paul Tchakoute, René Philombe, Dave K. Moktoï, ayant comme patronyme David Kemzen Mokto. Il faut ajouter à cette liste quelques grands poètes, comme Paul Dakeyo (L’Enfant-pluie a reçu le prix Saint-Exupéry en 1994), Stanislas Awono et surtout Antoine-François Assoumou, au destin aussi fulgurant qu’un Radiguet, puisqu’il mourut à seulement 17 ans. Relancée par une association dénommée “La Ronde des Poètes”, la poésie camerounaise a retrouvé de nos jours une seconde jeunesse.
Mongo Beti
C’est l’une des figures majeures de la littérature camerounaise. Alexandre Biyidi Awala est né en 1932 à Mbalmayo, près de Yaoundé, et a été, tout au long de sa vie, un grand défenseur des droits de l’homme et des libertés pour son peuple. Agrégé de lettres, il a accompli toute sa carrière au lycée Corneille de Rouen, en publiant parallèlement de nombreux ouvrages. Alexandre Biyidi Awala est sans conteste un écrivain engagé, ce qui lui a valu d’ailleurs quelques tracas, tant dans son pays où il est retourné dans les années 1990, qu’en France où il a parfois stigmatisé les incohérences de la politique africaine. Il a écrit Main basse sur le Cameroun, Les Deux Mères d’Ismaël Dzewatana, L’Histoire du fou. Sous son pseudonyme Mongo Beti, il publie Ville cruelle en 1953 et Le Pauvre Christ de Bomba. Dans Ville cruelle, Mongo Beti lutte contre le colonialisme européen, relate les nombreuses aliénations subies par le peuple africain dans les villes coloniales. Il réalise une critique virulente qui engendrera tout un nouveau courant de pensée. Dans Le Pauvre Christ de Bomba, il lutte également contre la société africaine traditionnelle, mais dans ce nouvel ouvrage, l’ironie et l’humour sont omniprésents. Cet auteur révolutionnaire accroît encore sa popularité avec les livres Le Roi miraculé et Mission terminée. Dans ces deux romans, il rompt avec ses anciens écrits, souvent dominés par des questions politiques, tout en gardant un fort caractère de militant. Ce changement l’écarte du » mouvement de la négritude « , ce qui lui attirera les foudres des adeptes de ce courant littéraire. Il sera néanmoins à l’origine d’une nouvelle génération d’écrivains camerounais, désireux de suivre son exemple et de se démarquer de la » négritude « . Ses derniers romans : Trop de soleil tue l’amour (1999), Branle-bas en blanc et noir (2000) et, à titre posthume, Africains si vous parliez (2005). Mongo Beti est décédé le 8 octobre 2001 à Douala.
Disponible sur les plateformes depuis le 9 novembre, La petite Némo et le monde des rêves était l’un des projets les plus attendus de 2022. Librement adapté de l’une des plus anciennes bande dessinée du même nom, le film de Francis Lawrence (“Je suis une légende”, “Hunger Games: L’embrasement”, “Constantine”) tente de porter l’œuvre de Winsor McCay à l’écran. C’est plutôt une réussite.
Rêves et autres troubles
Le monde de Némo s’effondre lorsque son père, gardien de phare, perd la vie alors qu’il vient en aide à un bâteau en difficulté. Elle qui suivait l’école à la maison et souhaitait reprendre le phare est confiée à un oncle aussi maladroit qu’ennuyeux dont elle ne sait pas grand-chose. Heureusement, la nuit, elle plonge dans un monde fantastique où, accompagnée de son fidèle Monsieur Cochon et d’un hors-la-loi nommé Flip, elle se met en quête de perles mystérieuses qui pourraient lui permettre de revoir son père.
S’il ne reprend pas tout à fait l’œuvre originale, le film en condense la moelle pour en faire une histoire qui nous entraîne malgré des lieux communs somme toute assez classiques. Un adulte doit retrouver son âme d’enfant, l’enfant doit accepter le changement… c’est plutôt du réchauffé tout ça. L’originalité du film tient cependant en ce qu’il fait la part belle à la question des troubles de la dépression et autres deuils de toutes sortes. Un sujet qu’il n’est pas si facile à aborder dans un film pour toute la famille. Le discours mais aussi (et surtout) l’émotion est là qui rendent le film plus profond (et surtout plus intéressant) qu’il n’y paraît.
Un (trop) plein la vue
Qui dit monde des rêves, cependant, dit univers merveilleux, complètement incroyable (ajouter votre superlatif). Alors, oui, on en a plein la vue avec des vols d’oies sauvages ou des danseurs papillons. On est toutefois déçu de ne trouver finalement assez peu de plans du monde des rêves, ou plutôt toujours les mêmes, et surtout de son organisation (qui ressemble d’ailleurs beaucoup au TVA de la série Marvel, Loki). Le peu d’interactions de Nemo avec le monde des rêves dans sa construction nous laisse un petit goût amer de “Tais-toi, c’est magique”.
Malgré un certain manque d’originalité, une trop légère utilisation du monde merveilleux des rêves et un Jason Momoa qui peine à trouver sa formule (oscillant entre Khal Drogo et Johnny Depp), le film de Lawrence s’en tire plutôt pas mal. Le discours est intéressant autant pour les petits que pour les grands et l’histoire est divertissante. Attention cependant aux âmes sensibles et à tout ceux qui ont la larme facile.
Un vampire, c’est souvent l’atout séduction dans un film aujourd’hui. Lestat, Damon, Angel, Edward et leurs confrères aux dents longues ont fait soupirer bien des cœurs. A travers le papier mais surtout les grands et petits écrans, le vampire a opéré sa transformation de monstre repoussant à objet de désir coupable. Que s’est il passé ? Retour sur une figure de la pop culture …
Un rapport aux instincts
Le vampire, c’est avant tout une incarnation de notre part animale. Il n’est plus humain. Son corps a été réveillé par une quelconque malédiction mais sa conscience est restée prisonnière de l’au-delà. Il n’a plus aucun intérêt pour la chose sociale. Son seul besoin est purement naturel: se nourrir. Il acquiert ainsi suffisamment d’énergie pour pouvoir continuer à avancer et surtout à chasser. Tout comme dans le reste du monde animal donc, il n’est absolument pas question ici des notions du bien et du mal, ce qui importe pour le vampire, c’est la chasse. Plus rien ne compte si ce n’est l’instinct. On voit déjà se dessiner l’incarnation cathartique de nos désirs enfouis, de notre part bestiale. Ce lien est d’ailleurs beaucoup moins subtil lorsqu’on se penche sur la façon qu’il a de se nourrir. Une morsure profonde qui fera les choux gras de nombreux écrivains et scénaristes qui feront de celle-ci tantôt un moyen de créer un lien fort et intime avec la victime et tantôt une expérience vraiiiimmment sympathique.
Le démon tentateur
Des créatures de type vampirique, il y en a beaucoup dans les différents folklores. Il est dans la plupart, une créature proche du zombie vaudou lequel est régi par une autre puissance. Dans le cas du vampire, il s’agit bien souvent du Mal et surtout du Diable qui viendrait interférer dans l’ordre naturel de la vie et de la société. Le plus célèbre représentant de ces créatures, le comte Dracula tire même son nom de Dracul qui signifie dragon ou diable en roumain. Le Diable, donc, lequel est très lié ,justement, à cette animalité et à tout ce qui concerne les désirs enfouis. Une association qui s’est d’ailleurs renforcée avec l’avènement de la mystique judéo-chrétienne. Rappelons, pour exemple, que selon la légende (et le Malleus maleficarum) le Démon était censé coucher avec les sorcières qu’il avait réussi à séduire pendant le sabbat.
Le glow-up du millénaire
C’est toutefois à partir du XIXe siècle que l’image du vampire s’est considérablement transformée. La parution de Carmilla, Sheridan LeFanu (1872) est l’une des premières occurrences d’une tension homo-érotique voire carrément érotique dans une histoire de vampire. Le tournant le plus fameux, cependant reste le fameux roman de Bram Stocker qui fait de sa créature, un véritable personnage à part entière, doué d’une certaine conscience. Il sera d’ailleurs l’un des premiers à faire d’un vampire, un membre de l’aristocratie, riche et détenteur de châteaux et autres titres fonciers. Anne Rice, ensuite, à continuer de romantiser la créature avec son Interview avec un vampire.
Puis ce sera le cinéma et surtout les séries qui complèteront l’image moderne du vampire et l’assureront dans nos imaginaires. Un rôle qui assurera le succès de la créature grâce notamment aux productions de la Hammer, à l’adaptation de Coppola ou encore True Blood. Buffy, Vampire Diaries ou encore True Blood ont continué l’inscription du vampire comme une créature tragique liée à l’intensité du sentiment amoureux, comme un instinct dont on ne peut résister.
Les années 1990’s et 2000’s signeront ainsi l’âge d’or du vampire moderne. Ce sera, en effet, la déferlante des séries gorgées en hémoglobine et tension amoureuse voire érotique. Une nouvelle facette pour une créature qui n’a pas fini de hanter nos imaginations.
On en a fait du chemin depuis la créature du folklore antique et médiéval ! Tout d’abord, créature de la nuit, proche du rat et autres vermines, le vampire n’a plus rien à voir (ou presque) avec sa figure moderne. De créature sans conscience associée aux golems ou aux zombies vaudous, il est aujourd’hui un atout charme dans tout projet horrifique. Il est aujourd’hui, aristocrate ou en tout cas de la classe haute, attirant et surtout se rapproche désormais de la succube. Une figure parfaite pour une histoire romantique (voire érotique) sur nos écrans, petits et grands. Mais alors, peut-on encore compter le vampire parmi les monstres ou est-ce la fin pour son capital terreur ?
Un changement de paradigme
Le vampire a hanté nos nuits depuis l’Antiquité sous ses différentes formes suivant les folklores: strigoi et autres. A tel point que certaines traditions furent mises en place pour empêcher les morts de revenir. Il va se transformer petit à petit mais c’est véritablement le XIXe siècle qui posera les bases de sa forme moderne. Bram Stocker en fait un noble et un parfait gentleman, puis le roman Carmilla de LeFanu l’inscrit dans le monde merveilleux de l’histoire d’amour morbide et passionnée si chère au roman gothique. C’est ainsi que la littérature puis le cinéma vont peu à peu s’emparer de la créature pour en faire une figure parfaite tant pour le roman gothique que romantique. S’ il continue à utiliser ses pouvoirs pour manipuler ses proies, les fasciner et les séduire à la façon d’une plante carnivore, le vampire moderne a désormais une psychologie et, parfois, un cœur plein de conflits. Ce romantique torturé, devient donc le personnage parfait pour un arc narratif amoureux.
Ce sont les années 1990’s et 2000’s qui explorera à fond ce nouvel aspect du vampire… parfois jusqu’à l’overdose. Aux cultissimes Dracula de Coppola et Interview with a vampire qui le présentent comme un Roméo moderne succèderont la vague de Buffy contre les vampires, Vampires Diaries, Twilight, Van Helsing, Underworld, La Reine des Damnés, Blades, Une nuit en enfer, True Blood, Moonlight, Vampire Knight…
Notre créature devenu un véritable anti-héros voire un héros tout court, (éro)mantique, il apporte désormais une touche non négligeable de belle gueule, de tension sexuelle et d’histoires d’amours plus intenses que ton avenir.
Le vampire ne se démode pas
Le vampire n’a plus grand chose à voir avec la vermine de la nuit des débuts. C’est aujourd’hui une figure aux multiples facettes. Il peut, en effet, garder son côté animal ou à l’inverse, se repentir et chercher d’autres moyens de se nourrir voire tomber amoureux et se questionner sur sa nature monstrueuse. Parce que ce qui fait la longévité de la créature c’est surtout sa plasticité. Un personnage vampirique apporte, en effet, bien plus qu’un beau faciès mais aussi un sous-discours plus ou moins subtil. Il parle ainsi d’homosexualité dans Entretiens avec un vampire, de conflits politiques dans Underworld, de passage à l’âge adulte et d’identité dans Twilight. Il s’intègre donc parfaitement dans divers sujets qui, eux, ne se démodent jamais.
Malgré le tsunami érotico-romantique des années 1990/2000, le vampire a encore de beaux jours devant lui au sein de la (pop) culture. Sa plasticité et sa nature d’outsider monstrueux en fait une figure parfaite pour traiter de nombreux sujets de manière plus ou moins appuyée. Le vampire n’a donc pas fini de hanter nos nuits mais surtout nos écrans.
